martes, 27 de diciembre de 2011

El logotipo que estuvo y no fue


En 1994 diseñé este logotipo para el que sería
Museo Guggenheim Bilbao en 1997

Mi homenaje a Jacob Bernoulli y su Spira mirabilis
"Eadem mutata resurgo"
© Ilkhi, 1994

En este logotipo para el MGB he querido representar el pasado y el futuro de la fundación Guggenheim. El presente está siendo.

Lo fundamental del logotipo es una G en continuo crecimiento, la cual está dividida en dos partes.

En primer lugar, el pasado de la fundación está representado en el cuadrado negro de la derecha: un pasado estable (en su ángulo recto) pero no inamovible, ya que su borde inferior curvo conecta con el rectángulo áureo en rojo (Bilbao) que está anexo al cuadrado (institución básica) el cual a su vez forma otro rectángulo áureo al unirse a él. Esta simbiosis del rectángulo y el cuadrado es la base del crecimiento progresivo a través de una espiral logarítmica que se adentra en el infinito.

En segundo lugar, la curva que está en negativo sobre el rectángulo rojo (bandera de Bilbao) representa la huella espacio-temporal de la ría del Nervión, a cuyos márgenes a crecido Bilbao. Por último, también representa el crecimiento progresivo y la búsqueda de un futuro lleno de vitalidad.

27 de abril de 1994 en Bilbao
Ilkhi Carranza


sábado, 24 de diciembre de 2011

Hau da guneko atalua!!! *


* ¡¡¡Vaya trozo de lugar!!!
© Ilkhi, 2011


viernes, 23 de diciembre de 2011

Beste hitz mota bat *

granos de trigo sobre papel
* Otra clase de palabra
(La hermenéutica siempre está siendo)
© Ilkhi, 2002


miércoles, 21 de diciembre de 2011

Oteiza y sus reflexiones


 Mi correspondencia con Oteiza
© Ilkhi, 2011

Testimonio extraido de un artículo de Jorge Oteiza publicado en la revista MUGA, Nº 18, 1981, como conclusión a la Feria de Arte Contemporáneo ARTEDER'81

Nuestra crisis cultural en profundidad afecta a toda nuestra sociedad, estamos viviendo y sufriendo sus resultados, y serán más visibles y negativos e irreparables en los próximos años. Ha afectado hasta a los propios artistas, que al no estar orientados ni preparados para sus compromisos políticos con la educación, con nuestras educaciones, con nuestras plurales pedagogías, los estamos viendo detrás de epigonales tendencias del consumismo general, parasitando, cabeceando en rebaño, desamparados, desocupados de verdadera conciencia revolucionaria vasca, de servicio a nuestro pueblo en misiones de cambio y recuperaciones. ¿Qué conclusiones hemos sacado de la gran exhibición reciente en Bilbao de nuestros artistas jóvenes y no tan jóvenes, en ARTEDER?

ARTEDER ha sido un agregado graciosamente cultural organizado por una Feria comercial o industrial de exposiciones. Se han alquilado jaulas individuales de 4 metros por 4 para artistas, sólo para cinco días y a 40 mil pesetas. Parecía organizado como el negocio de fascículos de Retana para artistas de hoy, de ayer y de pasado mañana. Hasta la propia Consejería de Cultura gozosamente ha contribuido con becas bastantes para que los artistas se paguen su precario y fugaz escaparate. Y Gobierno y artistas todos (ya no me extraña nada), todos han quedado consolados y satisfechos. Creo que fueron invitadas algunas autoridades en arte del exterior, incluso un representante del Bauhaus, que beneficiaron con su contacto personal a los espabilados organizados de la Feria, y que los artistas ni vieron  ni siquiera se enteraron. No estoy aquí ahora para predicaciones de política cultural en el desierto (aunque hace años pierdo así mi tiempo) o para análisis a sordos de la Feria. Pero la primera disposición de una Consejería de Cultura es hacerse cargo de este anexo cultural y autónomo, organizar esa exposición de artistas vascos y no para unos cuantos y por cinco días, sino para todos y como un balance, y conferencias, asambleas, estudios comparativos, propuestas, participación del pueblo (para examinador y ser examinado). Y exposición itinerante, no sólo es ciudad Bilbao, son muchas y necesitadas nuestras ciudades. ¿Cómo no se movilizaron los propios artistas para intervenir, dirigirse al Gobierno y organizarse? (y la crítica? tampoco me extraña nada).

Jorge Oteiza


martes, 20 de diciembre de 2011

Phersu en la Etruria enmascarada por el tiempo


Prosopopeya de la realidad efímera
© Ilkhi, 1981


lunes, 19 de diciembre de 2011

Sibilantes epentéticas en el tejado del universo


Etxe-ortzeko artea
(El intervalo entre la casa y el firmamento)
© Ilkhi, 1999


martes, 13 de diciembre de 2011

Hor γεω

Técnica: escultura en madera de roble
(H)OR(gánico) & γεω(métrico)
© Ilkhi, 1984


lunes, 12 de diciembre de 2011

Gune-lorratz bat baserria ixteko ta irekitzeko

Técnica: escultura en madera de roble
Lorratz hori erdietsi/ulertu neban
© Ilkhi, 1984


domingo, 11 de diciembre de 2011

Unegile - III *

Técnica: escultura en madera de roble
* Hacedor de espacio - III
© Ilkhi, 1984


sábado, 10 de diciembre de 2011

Zúñiga, poeta/pintor de vanitas


Bodegón zuñiguiano sin búcaro
© Ilkhi, 2011

Ilustración para este poema extraído del poemario TIEMPO A DESTIEMPO, Poesía eres tú, 2009, de Jose Luis Zúñiga.

   bodegón sin búcaro    

Una mano en el pecho,
un pecho en la cabeza,
una cabeza entera,
mente hueca.

Un dedo sin espinas,
una espina sin rosa,
una rosa furiosa,
mente roja.

Una rama en el árbol,
un árbol en la mano,
una mano tan triste,
mente seca.

Los perfiles de un bodegón en sombra:
manos, rosas, cabeza, dedo, espina
se alojan descarnada-
mente en ti.

Jose Luis Zúñiga

 

jueves, 8 de diciembre de 2011

miércoles, 7 de diciembre de 2011

Sombras perplejas y dilucidadas

Técnica: calotipo cianotipado
La luz proyectada sobre el sílex y esbatimentada en la cianotipia
© Ilkhi, 2002


martes, 6 de diciembre de 2011

Basartean zubihotzak bere azalera erakutsi eustan


Haren hizkuntzaz idatzi/marraztu neban
© Ilkhi, 2003


lunes, 5 de diciembre de 2011

Hutsarte undunak


Lugar: Valle de Berrueza (Navarra)
Técnica: calotipo cianotipado, expuesto y revelado en el lugar
Harri hori ikusi nebanez gero,
harrizko diafragmaren irekidura bat eraiki neban.
© Ilkhi, 2002


sábado, 3 de diciembre de 2011

jueves, 1 de diciembre de 2011

El "mejor arte" africano


Cabeza de escultura Mumuye (Nigeria)
© Ilkhi, 2011

Siete años y la meseta castellana median entre el destino de este escrito y el dibujo con el que lo ilustro. Las esculturas Mumuye eran utilizadas en actos ceremoniales por los sacerdotes "hacedores de lluvia".

El verano de 2004 escribí esta reflexión después de leer un artículo sobre una exposición de arte contemporáneo africano en Düsseldorf. La crítica de arte, Sandra Ellegiers, decía así en su artículo: "África ha dejado de ser exótica. La exposición de arte contemporáneo África Remix se propone acabar con los estereotipos que sobre este continente perviven desde la época colonial [...] demuestran que el arte de un continente marginado por los centros del mundo occidental se basa en conceptos artísticos universales". Se olvida que eso que ella denomina "centros del mundo occidental" (veáse antiguos países colonialistas) no hacen otra cosa, contemporáneamente, que imponer sus "NUEVOS" estereotipos (incluso en esta exposición) pensamiento único aceptado por la periferia (salvo excepciones) sin ningún tipo de cuestionamiento. Más adelante, dice que en esta exposición "se ironiza sobre su etnicidad"; lo cual me parece tan patético y absurdo como sería ironizar sobre el suicidio cultural que llevan practicando los africanos desde hace más de cien años. Por otro lado, me pregunto ¿Qué considera ella que es el arte africano que se basa en conceptos artísticos universales? ¿Acaso hacer esculturas Mumuye (originarias de Nigeria) no forma parte de los conceptos artísticos universales y, por el contrario, hacer una instalación o practicar el posconceptualismo ya decadente del mundo occidental, sí forma parte de esos conceptos artísticos universales tan manidos?

En esta exposición el artista angoleño, Fernando Alvim, escribe sobre un telón blanco "We are all post exotics" y a su lado hay un espejo, le pediría (ya que llama a la reflexión con esta obra) que pensara, pues la frase/persona que se refleja en el espejo podría ser esta "We are nobody". Su supuesta crítica al término "exótico" se vuelve como un búmeran.

Por último, David Elliot, director del Mori Art Museum de Tokio, declara: "Se trata de distanciarse de esa idea de África como pobre, enferma, hambrienta, violenta que servía para justificar la política colonial." Al señor Elliot le diría que la pobreza, enfermedad, hambruna y violencia en África no fueron ni son la causa para justificar la política colonial, por el contrario, era, es y será el efecto (si no hacemos nada por cambiarlo), consecuencia de la colonización/poscolonización de esos países. La poscolonización es más sutil, pero no menos destructiva.

Si lo que pretenden con esta exposición es denunciar la decadencia cultural del continente africano, les advierto que llegan bastante tarde, pues un documental de Chris Marker y Alain Resnais titulado Las Estatuas También Mueren, realizada en 1953, y prohibido por la censura francesa durante más de diez años, levanta acta de semejante decadencia.

En mi opinión, las últimas palabras en arte aún no han sido dichas. Dejémonos de ironías históricas y tratemos de evitar ese poscolonialismo  que se perpetúa en el mundo, pues los que creen en lo "exótico" como objeto decorativo son irrecuperables.