La innere Notwendigkeit kandinskyniana

Portada de la primera edición de Über das Geistige in der Kunst, libro editado por R. Piper & Co. Imprenta: M. Müller und Sohn, Munich, en 1911.

Este libro, De lo espiritual en el arte, lo leí por primera vez en enero de 1984; desde entonces ha sido un vademécum que me ha acompañado en mi carrera artística.

Hay quien considera que este libro es un "clásico" de las vanguardias históricas; yo discrepo de esa opinión, sobre todo, en esta acepción de la palabra "clásico": Que no se aparta de lo tradicional, de las reglas establecidas por la costumbre y el uso. Si algo he descubierto en este libro, en los últimos 37 años, ha sido lo más antitradicional que he leído en materia de estética.

Traigo dos extractos de este libro que me parecen paradigmáticos. El primero dice así:

"Das unvermeidliche Sichhausdrückenwollen des Objektiven ist die Kraft, die hier als innere Notwendigkeit bezeichnet wird und die aus dem Subjektiven heute eine allgemeine Form braucht und morgen eine andere". (Las palabras en cursiva están en el original alemán)

(La ineludible voluntad de expresión de lo objetivo es la fuerza que aquí llamamos necesidad interior y que hoy pide una forma general de lo subjetivo y mañana otra.)

En este segundo extracto, Kandinsky hace esta recomendación a el/la artista en general:

"Blind gegen "anerkannte" oder "unanerkannte" Form, taub gegen Lehren und Wünsche der Zeit soll der Künstler sein.

Sein offenes Auge soll auf sein inneres Leben gerichtet werden una sein Ohr soll dem Munde der inneren Notwendigkeit stets zugewendet sein. Dann wird er zu jedem erlaubten Mittel und ebenso leicht zu jedem verbotenen Mittel greifen".

(El artista debe ser ciego a las formas "reconocidas" o "no reconocidas", sordo a las enseñanzas y los deseos de su tiempo. Sus ojos abiertos deben mirar hacia su vida interior y su oído prestar atención a la necesidad interior. Entonces sabrá utilizar con la misma facilidad los medios permitidos y los prohibidos).

Esos "medios prohibidos", 22 años después de haberse publicado la primera edición de este libro, fueron lo que los nazis llamaron: Spiegelbilder des Verfalls in der Kunst (Reflejos de la decadencia en el arte) en una exposición en Dresde, 1933. Y cuatro años después, en la históricamente más conocida exposición en Munich, 1937, con el título Entartete Kunst (Arte degenerado) en la que estaba incluida la obra Zweierlei Rot, (Dos clases de rojo) 1916, de Vasili Kandinsky.

Tal y como Belén Gopegui decía en un artículo titulado El otro lado de este mundo, 1995: "Los libros que hemos leído están también puestos en nosotros, en nuestras acciones, en nuestro proceder, en ese nombre real que hay detrás de nuestro nombre".

La preponderancia de lo cuantitativo sobre lo cualitativo

Hoy en día, gran número de personas cuantitativistas presumen de los suscriptores que tienen en su canal de YouTube. Ya hace más de un decenio que en los medios audiovisuales, cuando entrevistaban a alguien, la primera pregunta era ¿Cuántos seguidores tienes en tu blog? y dependiendo de cual era la cifra, se realizaba o no la susodicha entrevista. Por cierto, el número de seguidores en mi blog es 11, en euskera se dice hamaika, y en su segunda acepción significa muchos (una gran cantidad en sentido indefinido). Por ejemplo: Hamaika bider esan nion (Se lo dije infinidad de veces). Pero supongo que esto no impresionaría a la/el entrevistador/a de turno.

Por otro lado, ahora ya hay 16 millones de usuarios/as que utilizan la plataforma musical Deezer, en la cual tienen a su disposición 53 millones de canciones, sin embargo, esto no quiere decir que conozcan las características de todos y cada uno de los estilos musicales de ese número de canciones, tan solo las poseen cuantitativamente, pero desconocen cualitativamente la mayoría de ellas.

La inflación de lo cuantitativo en detrimento de lo cualitativo lleva a una cuantitativitis muy difícil de curar.

La expulsión de los mercaderes del TTIP

Detalle de una pintura al fresco de Giotto en la Capilla de los Scrovegni

Titulada: La cacciata dei mercanti dal Templo

Qué bien ilustró Giotto en 1305 el trato que deberíamos dar, 700 años después, a los mercaderes, explotadores y defensores del TTIP; los mismos que entienden por Estado del bienestar: el "estar bien ellos", ya que a las clases bajas no las reconocen, pues repiten como un mantra el lema neoliberal: "Todos somos clase media", y si las reconocen es para despreciarlas y vituperarlas mientras las explotan y después de haberlas explotado.

Los partidarios del Transatlantic Trade and Investment Partnership (TTIP) son el 1% más rico de la población mundial que se queda con el 82% del dinero que se genera en el mundo.

Si se aprobara el TTIP, lo que conseguirían aquellos que cada año obtienen mayores beneficios y generan más pobreza es reforzar la política de recortes presupuestarios en el gasto público, las privatizaciones del sector público y la disminución de los derechos sociales y ambientales.

Naturaleza, arte y vida

6 de diciembre de 2004

Ovidio —hace casi dos mil años— en la fábula de Acteón se refiere a la Naturaleza como imitadora del arte al describir la gruta en la que está Diana:

Vallis erat piceis et acuta densa cupressu,

nomine Gargaphie, succintae sacral Dianae ,

cuius in extremo est antrum nemorale recessu

arte laboratum nulla; simulauerat artem

ingenio natura suo; nam pumice uiuo

et leuibus tofis natiuum duxerat arcum.

William Henry Fox Talbot, cuando se refiere a lo que él denominó "photogenic drawings" en su libro The pencil of Nature, (1844), dice así: "They are impressed by Nature's hand; and what they want as yet of delicacy and finish of execution arises chiefly from our want of sufficient knowledge of her laws".

Oscar Wilde escribió en su ensayo The Decay of Lying, (1889): "Life imitates Art far more than Art imitates Life".

El fotógrafo Peter Henry Emerson, en su libro Naturalistic Photography of Students of the Art (1889), describe de este modo su "naturalistic photography": "True, it may be beautiful reflection, but after all it is Nature's drawing and not the man's". Un año después, en 1890, Emerson publicó un panfleto titulado The Death of Naturalistic Photography, consecuentemente, compró todas las copias que aún quedaban de su libro anterior para destruirlas.

Michel Foucault dejó dicho en su ensayo Les mots et les choses, (1966): "La nature, comme jeu des signes et des ressemblances, se referme sur elle-même selon la figure redoublée du cosmos".

El escultor Txomin Badiola escribe para el catálogo de su exposición en el Aula de Cultura, Bilbao (1981): "El artista se educa estéticamente a través del arte y su visión de la realidad acaba convirtiéndose en realidad estética".

El filósofo Rafael Núñez Florencio declara en la Revista de Occidente de octubre de 2003: "Es el ojo humano el que concede categoría de paisaje a lo que está mirando, y lo hace en virtud de una sensibilidad educada, es decir, de una carga cultural previa, una cierta tradición pictórica por ejemplo".

Hemos pasado de la pasión del sujeto —exacerbada en el pasado— a la pasión del objeto llevada hasta las últimas consecuencias desde finales del siglo XX hasta hoy. La ventaja o desventaja —según como se mire— que tenemos en el presente, es saber que tanto el pensamiento del pasado como el del presente no son soluciones cerradas, sino posibilidades a reformular en un futuro incierto.